冰淇淋与雨声

请耐心等待片刻，我想将我作为一名观众的时间延长片刻，这么说只是因为，当我身处于电影的时间中时，才能抓住在影像中稍纵即逝的愤慨，不安，一丝丝的名为“革命”的情愫。但这些又不单单是电影给予我的，它们更像是在电影中被保存着的，从别的什么地方，从一场完全无关的夏天，从某个雨后的周末，在我看着这部电影的时候，从我房间的窗户，没有紧闭上的房门，从我放在床头的书，页与页间的缝隙中，溜了进去。于是我看到的，也不只是电影，但也不只是那些无关紧要的日子，那些无关紧要的日子里缓缓流淌的思绪。比起看，这种行为接近了睡眠，在似睡非睡的时间里想象着有一首可以将一切都解释的通了的歌，歌词也无外乎是关于冰激凌与雨声，或其他在现实里尚未连接起来的事物。

我解释清楚了吗？没有，这是一段遍布着自相矛盾，断裂的叙述，它具有着没有必要的中二，也并不显得真诚，也亦而没有结论。只是关于松居大悟的这部电影，我还能去看到些什么呢？我看到这样的一个故事，关于2017年，在某个小镇即将出演自己的处女作的年轻人们，被突然告知演出中止了，我看到他们的垂头丧气，说着无可奈何无能为力，MOROHA站在远处歇斯底里的喊着何为梦想，但却只像在电台里循环播放的流行音乐一样，在目光之外的某个街头回响着逐渐沉默的字眼。

我看到属于电影的一面，属于技法的，不断改变的画幅长宽，做着企图混淆着现实与虚构间的界限的努力。未曾离开的镜头，跟随着他们的脚步，凝视着他们的吻，并在最后坐了下来望着他们念出激昂无比的台词。看到台词，台词的力量在演员的唇角成型，而演员又用他们的舌尖去玩味词语后的暗示。看到暗示，直直看向镜头的瞳子，对着谁说出的独白，MOROHA站在镜头与视线外的唱白，触及着现实的现实与电影的现实，以及电影中的现实的交合之处。这些究竟有没有为电影增彩，还是说仅仅只是松居大悟停步于真诚前的做作？

以这样的问题进入吧，并不想去谈的，但对电影而言却不得不谈论的一些琐事，不过这样的去对这种围绕着电影本身的论述产生抵触，或许也是一种机遇，使得某处突然发出的，贫瘠的叫嚣，变的稍微有那么一点点的人情味在里面了。

1.演员

需要对本片中出现的演员有这样的一种认识:他们是完整的存活于电影故事的时间中的。一镜到底与可以说是突兀的报幕，在不经意间将电影的时长与故事的时间搅浑在了一起，但他们依然在这种结构中拥有自己的假期，冰激凌的暗示在此处通向了遐想的自由，它是一个可以被代换的词汇，它可以是章鱼烧，可以是雨伞，同时也因为演员在这两种截然不同的时间维度上共同享有着它们的缘故，我们可以说，它们是一种关于生活维度的无限生长的比喻。

而演员们所要做的，便是在电影的时长里去抓住这种比喻，所要做的努力便是在使得两种时间不存在含糊的可能性的情况下，利用这些比喻将二者的意义趋于一致。因为对于演员本身来说，电影的时长也意味着生活片段的一部分，他们要将这二者的功能性分离，却又不能忘记自己正在这二者重叠的情况下慢慢变老，这种意识便，不完全的借用塔可夫斯基的话就是，让一切归于“唯一”的真实。

不过这样的真实在本片中还有另一层含义，是关于“cut”之后的时间的，在那之后，两种时间都松懈了下来，而悄然出场的是，关于那些在台上相拥的“演员”的时间。于是我们立马可以意识到，在电影的命运之外，这些人还有着一种真正的命运在等待着他们去面对，可要去对这位命运，仅仅是剧场里发生的这些是不够的，在影像中满溢的对于生活的暗示也是不够的，于是在此处我联想到了我自己，我在这里仅仅是看着这一切前进也是不够的，于是演员又成为了一个不完美到令人绝望的概念，它开始意味着一种界限，这种界限是存在于电影的故事与现实的现实间的，是关于无可转化的维度的界限，它代表的是，有关真实的生活是怎么样的这一问题的答案，而答题的过程却朦胧不堪。

“cut！”

2.对白

本片的对白与演员可以看做是电影文本的简单二分的产物，不仅是因为在本片中对白预示着演员的某种反应，也是因为演员同时也调和着对白中词汇的属性，它们两无法被区分开来，不可能作为独立的个体存在于电影的空间中，否则就会有一方变成完全的哑巴，来到绝对的沉默面前。MOROHA是一个如此鲜明的证据，他的唱白所说的故事是全新的，无关的，可在演员对那些台词无声的反应中，或者是乘着韵律的节奏在影像中施展自己的肉体，在这样的过程中，MOROHA的台词便被吸收到了他们的故事中，因而MOROHA也从沉默中走出，站在了他们的对白中，成为了故事的一部分。

关于这样一个过程，我们可以在其中看到属于我们的位置出现，因为明确了的，也只有我们在观影的过程中发生的共情。在这个意义上说，各种文本统一的这个过程中，就形成了一个类似于“cut”后的空间，MOROHA与演员们永远不可能在一般的情况之下处于同一时空中，而他们的故事，他们在电影的故事中相互暗示的命运也不可能在一般的情况下产生汇集。但我们可以擅自的，以一种近乎偏执的情愫做由，去理解充补对白之间的空渊，于是我们本身也变成了电影的一幕，在这一幕中，原先无法靠近的故事产生了交汇，以转喻的形式产生了连接。

于是这样一种装置的动力其实是，对话语所诉之事的，难以言表的被触动，在时间上无法完成的含糊却可以在话语这里发生，也是因为我们，不论是戏里的演员还是我自己，或许都追求着革命的发生。在演出彩排的时候无法被忽略的，词语的缺陷与突然升起的，令人措手不及便笑了出来的玩笑。“但还是有一件，不算大的事，我一定要跟你说，聚会结束后回家的路上 突然袭来的空虚感。”这就是，即使是诸如此类的无关紧要的事情/电影，依然想要将它好好传递出去/获得感动的心愿。

汇聚，聚会

3.镜头

一镜到底这种东西，到底获得了多大的对于人生这一没有暂停的过程的摹仿权呢？我没有办法为这个我自己提出的问题做一个解答，但就和电影它存在着高潮一样，回忆好像也如同漫画一样，想尽可能的去多多记住那些使得我们短暂的挣脱了平凡的瞬间，或者便是在日常的波澜不惊下埋下宝藏。所以虽然是单镜头的框架，但实际上，镜头就如同一位深陷青春期而敏感不安的少年少女一般，在意义可能发生的地方徘徊，舞动。

在那场演出被宣告终止的戏中，镜头仿佛一个无助的孩子在演员之间巡回，像是企图在他们的脸上得到什么答案，而转到后面，它又久久的去凝视他们的对话，他们的吻，他们的愤怒与他们的革命。于是它像是这样的存在：代替着本该出场的“我”存在于电影的时空中，补偿了那些独白的对象与观看演员们故做忧伤的观众的位置，它如同一个确凿的宣告来和影迷们说这部电影傲慢的在筛选它需要的观众，因为只有那种人才可以承担起这个“我”的责任。

镜头是本片最后也是最先向观众发出邀请的元素，同时它又比起那些需要再构建的空间直白明了的多，也因此它更显的专横私人，那么这其实是一种不合格，仿佛是对于所有观影者期待的一种背叛，松居大悟将这个显然带有着“90年代的想象力”的故事以这样一种方式呈现出来，好像是为了告诉大家故事这种东西是有多么私人，多么不肯下沉，也意味着青春的不可重开，无法在成年之际，对它进行真诚的诠释。

人生之一

于是

于是说，让我们回到在进入这些无关紧要的论述的地方，拾起预言，在这里突然发出的，贫瘠的叫嚣，我为什么去爱上了这部电影？其实是因为我觉得不公平， 不公平，这是电影是不公平的，我仅仅是观众是不公平的，他们只是演员是不公平的，热情的话语仅仅是台词是不公平的，我只是看着而他们只是站在那里等待“cut”是不公平的，哪怕影像的背后满溢的是对现实的暗示，哪怕在幕布这下的拥抱是那样的真诚，哪怕故事在最后发生了汇集，都显得太过不公平了。

因为我是愤怒的，被镜头取代在故事中，像是我无法跨过未来的那些挫折一般，它是一种挑衅，我没办法不用我的回忆，我的梦想，我所追逐的一切去与只搏斗，革命除了在这里发生，现代的世界中哪里还能容忍这种可笑的愤怒呢？或许是多愁善感，我觉得演员们最后的拥抱也意味着他们的遗憾，为什么那些台词不是在戏场之外被他们念出来呢，为什么在他们的前方要用摄影机去记下他们呐喊的神情呢？说到底这依然是我的遗憾，但冰激凌与雨声却给了这份遗憾一个可以宣泄的载体。

于是我只希望我还可以在这之后相信：

梦想不会来到你身边并实现

梦想只有努力追逐才会变成现实

是否能够实现并不重要

只要有梦想人生就能熠熠生辉。然后准备革命。

【清存货行动】第一次看一镜到底的影片。

影片好像没太看懂，或许是青春对梦想的执着，不管怎样，最后还是站上了舞台，虽然没有观众，没有掌声，但站上了舞台，那就行了，那份热情被保存，那就够了。丧丧的，但对未来还是很有希望。很喜欢最后的rap独白和片尾曲「遠郷タワー」的词：

億千万のため息を吸い込んで、希望の言葉に変えて吐くんだ。億千万の涙を飲み干して、決意の言葉に変えて吐くんだ。億千万の雨風に流れ、億千万の花が散る。それでも、一回きりの人生に命をかけて、命を描け。心の中に咲いた花の名は火花。生きてる限り叫ぶ花言葉、命をかけて、命を描け。

時間は、時間は全部解決してくれる。失恋も屈辱も後悔も全部時間が解決してくれる。今までだってそうだったの。憎しみも痛みも苦しみも、ついにはいった夢も、やいたがったことも、譲れなかった思いも、全部時間が解決して、なかったことにしてくれる。それでいいんだ、それが楽なんだ。それでいいはずなんだ。だけど、俺は、やっぱり嫌だ。やっぱり嫌だ。だって、それは俺のだ。だって、それは、格好悪くとも、みっともなくとも、それは俺のだ！返せ！返せ！時間に解決されてたまるか！返せ！返せ！返せ！

「遠郷タワー」

亚历山大·索科洛夫《俄罗斯方舟》

但纵观百年光影，像《俄罗斯方舟》这么出名的“一镜到底”其实并不多，毕竟很少有导演能够一次就拍成功，而假如要反复NG重拍，所耗费的精力与财力都无可估量。

也正因此，某些不像索科洛夫那么“较真”的导演，也会尝试用组接的方式“伪造”所谓的一镜到底。比如冈萨雷斯·伊纳里多的《鸟人》，看似一镜到底，其实中间有16个剪辑点；再比如希区柯克的《夺魂索》，其实是十个镜头组成的；还有贝拉·塔尔的《麦克白》，是由两个镜头构成。

亚历桑德罗·冈萨雷斯·伊纳里多《鸟人》

阿尔弗雷德·希区柯克《夺魂索》

当然，近些年也不乏敢于挑战“一镜到底”的勇士，会偶尔站出来。比如德国导演塞巴斯蒂安·席佩尔，就曾在2015年拍了部一镜到底长达138分钟的《维多利亚》，拍了三次才成功。比如日本导演三谷幸喜的《大空港2013》，则以100分钟的一镜到底牵引出整个机场的人生百态。

塞巴斯蒂安·席佩尔《维多利亚》

三谷幸喜《大空港2013》

当然，可能很多人还会提到毕赣导演《路边野餐》中的42分钟长镜头，或者《地球最后的夜晚》中长达1小时的长镜头。但因为这两部都并非一镜到底，在此就不展开了。

而今天我们要深聊的这部电影，来自非常年轻的日本新生代导演松居大悟。这部新近出炉的日影《冰与雨声》（后改为：冰淇淋与雨声），最初吸引我的便是“74分钟一镜到底”这个技术性噱头。

有颜又有才的松居大悟导演

放进影史序列看，74分钟一镜到底可能并不算什么；影片真正闪光之处，还在于那些排演时刻迸发的灵魂火花，虽为日式中二热血，也难免让我想念约翰·卡萨维茨的临场魔力。而影片中某句歌词也令我一直记忆犹新：“看不到我的未来，我终于松了口气；因为未来平庸到让人反胃。”

作者| 松原

公号| 看电影看到死

前阵子，北京温度骤降还下了雨。在这样的天气里跑去电影资料馆看《冰与雨声》（后改为：冰淇淋与雨声）倒也很衬这个题目。抱着这样的想法，我满怀期待进了场。

之前，看本片导演松居大悟编剧并执导的《Byplayers》颇感惊艳，也有所耳闻导演前作《安昙春子下落不明》因为较为大胆创新的手法、而收到褒贬不一的各种评价。

《安昙春子下落不明》

而今年这部《冰与雨声》则是以74分钟一镜到底的拍摄手法和打破虚实界限的华丽青春群像主题深深吸引住了我。

悄悄观察影厅其他观众，我猜或许大家也都是如此吧？资料馆的大厅都没有坐得很满，而观众大多数也很年轻，大家几乎表现得像是来见一个朋友一般。

松居大悟的才气也确实在这部电影中展现得淋漓尽致。正如导演自己在映后的对谈中所言，《冰与雨声》并不太能够被定义为到底是怎么样的电影，而是处在某种“中间状态”，因其模糊了现实与虚拟、电影与戏剧，甚至观众与银幕的诸多边界；然而，也正因如此，这部电影才有了自己的迷人之处，也即成为导演本人想要探求的某种真实。

影片《冰与雨声》展现了热爱戏剧的少年少女为了一次演出努力练习、却在最后被告知演出取消，因而奋起反抗的故事。在这些年轻人的生活里，戏剧是一件随时可能发生的事情——随时都能进入故事，随时都能进入表演状态。

导演通过画幅的改变，暗示我们什么是在电影中的现实里发生的事，什么是在电影中的戏剧里发生的事。而我们年轻的主人公们就在戏剧和现实中肆意穿梭，串联起既是现实又是戏剧的双重剧情，推动两个不同故事共同发展。此外，还有不经意间就会出现的主人公对着镜头喃喃自语的画面，既是展现内心独白，又像是和观众对话。

整部电影的氛围相当自由却不至于令人费解，仿佛是一次对自己中学时代的回忆，相当轻快。事实上对我来说，在观影过程中能感受到的是三重时空的同时存在。

所谓三重时空，一重是我本人所处的现实，一重是电影中主人公们所处的时空，一重是电影中的戏剧时空；三重时空交相呼应，形成奇妙的观影体验。在画幅伸展缩放之间，电影中的少年少女直视镜头喃喃自语之时，现实和虚拟的边界就被淡化了。

由此更进一步，甚至观众和银幕的边界也是被淡化的。假如当天在电影资料馆坐得足够靠前，那么在电影的最后那个场景中——镜头对准站在舞台上的少年少女们，前景是空无一人的座位，简直会产生此刻就坐在空旷的下北泽小剧场中的错觉，正看着舞台上的这群年轻人——多么微妙的感受！

电影作品中不缺少一镜到底的经典先例，而在这74分钟之中，导演却很好地利用长镜头发挥了电影的特质，在镜头的停滞和字幕的提示之间完成时空转换。长镜头跟随演员，在演出开始前的狭小公寓中来回游走，或旋转，或停留，以此展现演出开始前不同时段主人公们不同的行为与相异的心境。

或者说可以这么理解，在演出最终开始之前，主人公们的日常就是不停地重复排练戏剧的各个部分，在每个时间节点导演截取的只是一种“横截面”，但这种“横截面”却能因其相似性而互相连接，然后再用这个长镜头的“容器”将其装载。不得不说，还是挺有想法的。

而《冰与雨声》中的戏剧特质，除了主人公们突然地进入表演状态之外，也展现于担当配乐的MOROHA中。这个只有两个人的音乐组合，包括了负责说唱部分的Afro和负责吉他的UK，在《冰与雨声》中担任了类似于戏剧中“歌队”的角色。

自戏剧诞生以来，歌队就在其中担任着叙事和抒情的双重功能，比如提示情节、暗示命运。《冰与雨声》中的MOROHA也是如此，用他们一贯以来那种宣泄似的歌声告白主人公们内心理想受挫的愤懑和不知去向何方的迷茫。

从片头开始，导演让MOROHA时不时于电影中出现甚至可以与主人公互动，运用他们的歌声在影片情绪浓烈之处加以渲染，Afro的诉说也与主人公们抗争的心境相得益彰。

电影中加入诸多具有戏剧特质的重要元素，同时又不舍弃电影调度本身在时空转接上的优势，因此在整部《冰与雨声》之中，电影和戏剧的边界也是不甚分明的。因此，在这两个层面上，《冰与雨声》所展现的就是那一种“中间状态”——模糊了现实与虚拟，也模糊了电影与戏剧。

然而，电影的感情却是再分明不过了，那种似曾相识的少年心气。因为戏剧是唯一的寄托，所以失去了戏剧就不知道再有什么可以热爱的了，所以不甘心呀，不甘心向往的远方就这么被剥夺了，所以冒着被赶出去、被斥责甚至承担可怕后果的危险，也要溜进剧场，所以就算台下观众席空无一人也要开始表演，因为失去这个就一无所有了。

松居大悟导演在映后说这是由真实的故事改编而来的，这些孩子是真的因为原定的戏剧表演取消了，才会有这部电影作为替代——而松居大悟本人也在电影中“真实地”扮演了戏剧导演的角色。

而在真正的现实中，这些演员也正是怀着对戏剧和表演的热爱才会聚到一起——差不多都是高中生的样子，没有事务所甚至没有正式表演的经历，其中一位还是从大阪来到东京下北泽，甚至做好了要是不成功就坐夜班巴士回去的打算。

也难怪这部电影中的感情会如此真实——这也是虚实之间的又一次互相映衬啊。电影的背景所在地下北泽，是东京新兴的流行文化区域，也以诸多剧场著称。不少著名演员就是在此完成了自己人生的首次登台亮相，也是许多热爱戏剧的年轻人寄托梦想的地方。

忍不住会想在《冰与雨声》背后的下北泽，还会有多少类似的年轻人，怀着相同的少年心气，在此奋力一搏呢？从电影中的青春群像到电影背后，最终又回到电影中，这正是《冰与雨声》构造的“中间状态”的迷人之处。

不过直到映后，我才知道自己一直以来都意会错了《冰与雨声》的含义。用松居大悟导演的话说，雨声就好像剧场里的掌声，而“冰”事实上应该被翻译为“冰淇淋”，是把他带回到现实中的事物。将这两种物件并置，正如电影和电影之外的同构，作为题目真是太好了。能在影院体会到这种模糊诸多边界的“中间状态”，也真是太好了。

本文原标题：被模糊的边界与真实的少年心气——《冰与雨声》及其展现的“中间状态”

作者| 松原；公号| 看电影看到死

编辑| 骑屋顶少年；转载请注明出处

合作投稿 |kdykds@163.com；微信 | kdykds

松居大悟_冰淇淋与雨声_2017

6.7

情绪上真是没什么说服力，青春题材经常这样。

时间提示、画幅切换、镜内蒙太奇、配乐旁白的入场共同作用出一个戏里戏外时间空间边界不明的叙事概念，可以说非常新鲜，可这些在前十几分钟吓到了我的一切形式都在后来逐渐疲软。某种程度上它从头到尾都带来了快感，这是场面调度的功劳，尤其是吉他念白组固定频率的出现，有张有弛，爆发和沉寂分布得很平衡。有些电影会很像音乐，这部就是其中之一。它未必是那些听完之后让你怔在原地很久的音乐（当然有这种音乐），而是在过程中会前摇后摆的那些（当然也有这种）。

剧情的设计呢，跟不上这种出色的节奏。虚浮的台词听得我面红耳赤，和重新看高中时日记的感受类似——我倒不会反感这种对着空气挥拳般的尴尬，也理解少女少年不分虚实地疼痛。这群年轻人对于差不多的梦想有各异和持续变化的态度，热情啊，偏执啊，绝望啊，释然啊，空虚啊，或表达自己的无法理解或接受，最后又可以抱着明知不可达成也要做的觉悟。主创在电影开始的会议上说了，青春期疼痛嘛，待会儿要是疼麻烦你就“哎哟”一声，全面而具体可不够精准，情绪转变的动机和表现形式都十分潦草。倘若每个角色都要如地铁上的醉汉一样吐露心声，谁愿意听呢？她们抱怨了，“所有人都无聊，包括你，大多数时间也无聊”，我对本片也有相同的困惑，哪怕到剧场后鼓点更加密集，天旋地转，也只加剧了我的困惑。既然这个小镇没劲，为什么不去别的镇呢？我就是这么问我自己的。

据朋友指出有两处翻译错误 里面的“植物个性”“有个性的小宇宙”的“个性” 应该翻译为“自由意志”。整个片子很尼采 贯穿的主题就是自由意志和本能原始的情绪。

非常喜欢里面的元素 舞台剧和日本传统的艺术表现形式“狂言”不过以现代化手法呈现。这两种艺术形式本身就是一种渴求原始情绪的化身。

电影镜头故事虚实的切换非常自然、很写实（虽然有几处演技我觉得有点崩）所以与其说文艺片感觉更像个学院片。看的是技巧 完全不是剧情。

电影名字《冰淇淋与雨声》感觉好像是毫不相关的两个东西甚至听起来有点文艺过头的cheesy 但是观影后会发现是电影虚实界限的高潮的浓缩。所以回过头再看这个电影名字 其本身就很有力量。

电影highlight的反理性主义最有张力的部分在他们闯入剧场然后“老板”说的“你们不经过同意就闯进来这也是错误的。”这句话体现。

总而言之 非常敬佩这个导演的才华。

四星观感

两星推荐。

影片的最后，镜头逐渐拉开，少男少女们在舞台上站成倔强的模样，不羁地凝视着前方。 是剧场，也是影院中的观众。

《冰淇淋和雨声》是一部戏剧与现实不断交织，共同带动故事情节向前的电影。 最吸引人的“噱头”，无疑是74分钟的影片“一镜到底”。就像是舞台上的演出，情绪一泄到底，酣畅淋漓。 故事主线非常简单，少年们被选中出演舞台剧，排练了一段时间后，出于某种原因演出被取消。 饰演女主角的想，兴冲冲进入排练厅的时候，典型中年商人模样的制作人，正和大家解释着因为销售情况不佳，演出需要取消。 大家那么些天的排练，都“白费”了。 少年们低着头不说话。有些人默默接受了这成年人世界的规则。 想却不甘心，拉着一些同伴继续开始排练。 故事继续，她仍然是戏里那个即将看着朋友离开小镇的“想”。

表面上是不顾一切的青春，是为了梦想的”燃”，但《冰淇淋和雨声》的故事内核，是属于青春的“离开”。 属于青春的离开，太多作品想要讲这件事了。 曾经看过一部意大利电影，滨海小镇上打打闹闹的青年，一群人中有不学无术的，有早早泥足婚姻的——也有在清晨5点乘上火车，离开仍在沉睡中的小镇的。 “离开”，无疑是属于青春的，最重要的母题之一。

离开小镇，意味着剥离平庸，拒绝泥足的可能性。

在最初的那段排练中，我们看到想和戏中的闺蜜聊起了即将的分别。 闺蜜一心要离开小镇。她在想的挽留中，显得决绝而冷酷。 她说小镇太无聊，一切都很无聊，多数的“朋友”都是无聊的。 “除了你。不，大多数情况下，你也很无聊。” 她对想说。

恰恰是这出戏中戏的内核与现实中情节内核的契合，成就了《冰淇淋和雨声》现实与戏剧交织的完美融合。 少男少女们在各种现实的场景下说起了戏中的台词，流露出戏中的情绪。 除了画幅比例的略为不同，从演绎上甚至很难分别戏与现实。 因为现实中的少男少女，也是一样想要离开。在想要逃离平庸现实和无可避免地远离青春的不甘之间，被拉扯着。

雨天，红甘撑着伞蹲在楼下，像一朵蘑菇。她温柔而尴尬地抬起头说，不知道可以去哪里呢。

为了呈现一台精彩的剧而拼劲全力，忽然目标被抽离，就好像奔跑的赛道被人抽走，倏忽之间的下坠感。 我曾经了解这种无所适从。 是因为太突然了，大多数人会对例如团队解散、项目取消一类的事情感到“无所适从”。下一步应该怎样做呢？不知道啊。 就连亦舒小说中的女主角，在接到医院电话的时候也会想：戏剧真好，写一个情节，接下去就是一个转景，不用学习“接下来该怎样做”。比如接到电话，就僵在那里了，应该怎样做呢？

戏里的孩子们想要逃离小镇，离开平庸的生活。戏外的孩子们则通过不断地浸入戏剧，来实现他们对残酷人生的逃离。 戏里的人生，多么猎奇又多么刺激啊。戏里的想和闺蜜成了杀人犯，神经质的想危险又富有魅力。戏外的想是个人缘极好的女孩子，却也忍不住想要试探着超出规则之外。 “戏已经取消了。” 对于这件事，她拒绝接受。 她在每一次与团队其他成员见面时，绕回戏本身；甚至在原定公演当日，冲破安保，站在台前奉献了真正属于舞台的演出。 她的拒绝，代表着她对于“青春渐逝，现实残酷”的拒绝与“逃离”。

冰淇淋是甜美梦境，雨声则是现实的噪音。

当然如果你愿意，雨声也可以是催人入眠的伴奏，冰淇淋则是带来满足的“毒药”。 虚幻与现实，安谧与诱惑。 红甘与想，在雨中走过拥挤的小巷，一路交谈走进剧场。伴随着淅淅沥沥的雨，她们吃着棒冰。 一路走进剧场，梦的焦点。

剧院对人们而言，代表着什么？ 对于现实生活着的人们而言，剧院就是一台造梦机。有多少上班族，日夜加班，唯有在剧院的那一夜得以喘息，投身另一个精彩纷呈的世界；有多少戏剧制作者、演员，领着微薄的收入，只因为在舞台的释放能够燃烧真正的自我。 想和同伴们，躲过了安保，绕过了人群，偷偷来到后台，化了妆等待“开演”。大幕拉开前，他们围成一圈为彼此打气。 我喜欢他们围成一圈的样子。 我记得4月看《罗密欧与朱丽叶》，每次开场前，那群人必然要在大幕后面这样打气。看了十场，每次如此，让人觉得……他们有团魂？这样说不知道是否合适，以我浅薄的理解可能确实如此了。 想和伙伴们，也是这样。这大概就是年轻人应该有的样子。

大幕拉开，舞台呈现，镜头逐渐拉开，少男少女们在舞台上站成倔强的模样，不羁地凝视着前方。 是剧场，也是影院中的观众。这样，它结束了。 将虚幻与现实揉碎，捏成好看的形状，调和一些不那么美妙，非常情绪化的音乐和唱词。这，就是它了。

即便如愿公演，想和她的朋友们，最终要面对剧院外的雨声。 我和影城的观众在周六的上午，其中有一些人哭得像晒化了的冰淇淋。